C’est la rentrée universitaire et Com’en Histoire donne aujourd’hui la parole à Maïté Labat qui, avant de devenir consultante, a été cheffe de service des productions numériques et audiovisuelles au sein du musée du Louvre où elle a dirigé un service de 10 personnes. Un des derniers projets qu’elle a suivi dans cette vénérable institution a consisté à développer une offre de contenus en ligne, audiovisuelle et sonore, avec la création de l’espace Louvre+ sur Louvre.fr, un espace de streaming avec + de 500 médias en accès libre. Mais la stratégie numérique du plus grand musée du monde se déploie également sur site puisqu’elle a également œuvré, entre autres projets, à la création d’expositions immersives avec le développement de l’exposition sur la Joconde ouverte de mars à août 2022 sur le vieux port de Marseille avec le Grand Palais immersif. Enfin, elle a également passé 8 ans au château de Versailles comme responsable de projets numériques et des réseaux sociaux : cette expérience lui a notamment inspiré son premier roman graphique. Publié en 2019 chez la Boîte à Bulles, Le château de mon père raconte l’histoire méconnue de la renaissance de Versailles à la Belle Epoque. Le parcours de Maïté Labat nous permet donc de suivre l’évolution des politiques de développement du numérique des grandes institutions parisiennes…
1. Votre parcours au sein d’institutions culturelles a commencé en 2009 par votre arrivée au château de Versailles comme “responsable projets numériques, création audiovisuelle, réseaux sociaux”. En plus de 10 ans au sein de ce secteur d’activité, quel bilan pourriez-vous faire de ces propositions éditoriales dites “innovantes”, quel regard rétrospectif pouvez-vous poser sur les propositions faites ?
Nous avons vécu des âges numériques différents. En 2009, quand je suis arrivée au château de Versailles, les plateformes et les réseaux sociaux étaient loin d’être aussi développés qu’aujourd’hui. Instagram n’existait pas, nous mettions en ligne les premiers podcasts sur iTunesUniversity et je n’avais pas de smartphone. Pour autant le numérique et la production audiovisuelle étaient déjà bien implantés au château avec un site internet, une chaîne Youtube, des documentaires TV, des contenus dans les salles, des bases de données1… Les médias adorent encore aujourd’hui parler du numérique qui dépoussière les musées mais c’est une fausse idée, un cliché que les chercheurs et le monde professionnel aimeraient voir disparaître d’ailleurs. Les musées ont toujours été des lieux d’innovation, même parfois à l’avant-garde du numérique dans la deuxième moitié du 20e siècle. Dans les années 1980, le musée d’Orsay proposait déjà une salle de consultation informatique libre et gratuite. Les visiteurs pouvaient consulter des documents sur les collections et les artistes dans une base de données à disposition. Au château, dès les années 1990-2000 les équipes avaient imaginé un jeu sur CD-ROM qui a fait un carton auprès des ados “Enquête à Versailles”. Ados devenus en 2022 des trentenaires connectés…
Pour en revenir au bilan, je dirai que nous n’avons jamais cessé d’innover, de tester, de produire, de raconter des histoires à Versailles, au Louvre et ailleurs. J’ai le sentiment que ça a été notre moteur commun dans les institutions culturelles avec l’aide précieuse des créateurs, des agences digitales, des maisons de production mais aussi des publics. On l’a vu pendant le premier confinement en 2020 : toutes les institutions avaient des contenus à republier et à proposer aux publics connectés enfermés à la maison et/ou n’ont pas hésité à en produire avec les moyens du bord. Les publics se sont également amusés à créer de chez eux dans le cadre de “challenges” qui font aujourd’hui l’objet de programme de recherche2. Cela en dit long sur l’évolution des rapports désormais entretenus entre visiteurs en ligne ou in situ et institutions.
Dans un contexte de généralisation de cette culture des écrans3, les équipes numériques et audiovisuelles des grandes institutions culturelles ont su suivre et comprendre l’évolution des usages des publics et s’emparer des nouveaux outils ou des nouvelles plateformes au fil du temps. Ainsi, quand nous avons imaginé l’espace Louvre + sur Louvre.fr nous nous sommes bien sûr inspirés des usages de nos publics sur d’autres plateformes comme Youtube ou Netflix. Quand l’équipe de la BnF qui gère Gallica fait évoluer sa plateforme avec des propositions éditoriales “innovantes” c’est pour encore mieux répondre aux besoins et désirs de ses publics mais aussi pour faciliter l’exploration des plus de 9 millions de documents en ligne… Et aujourd’hui la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image d’Angoulême produit et diffuse sa propre série de podcasts “9e Art” sur les différentes plateformes : nombreuses sont donc les institutions à explorer de multiples façons de raconter des histoires tout en essayant de capter une part de l’attention des publics.
La limite est peut-être une forme de surproduction, et donc de surabondance, au risque de se perdre dans un écosystème devenu indigeste et moins abordable pour les publics connectés. De fait, avec ces multiples explorations et productions médiatiques, les institutions culturelles ont désormais un “stock” de contenus qu’il convient de faire vivre. Les questions évoluent : quelle que soit la taille et les moyens d’une institution, comment organise-t-on la diffusion des contenus produits ces vingt ou trente dernières années ? Comment gère-t-on ce “patrimoine numérique” en devenir des musées ?
Cette question de la surproduction est aussi légitime dans l’époque que nous vivons. Le climat et la sobriété sont devenus une priorité absolue. La profusion de documents, de contenus ou d’informations, si elle est mal contrôlée, pose cette question de la responsabilité écologique dans l’époque de crise climatique que nous vivons et va à l’encontre de la volonté partagée de sobriété énergétique. Quand j’ai commencé à suivre les aventures de Corentin de Chatelperron sur son Nomades des mers, je me suis demandée à quel point le musée était ou devait être un univers low-tech. De quoi l’humain a-t-il vraiment besoin pour admirer un Rembrandt ou un plafond ? Comment continuer à accompagner les publics dans cette découverte, quelle offre de médiation pouvons-nous construire tout en diminuant notre empreinte carbone ? Quelle place prennent les expositions immersives hors-les-murs dans ce contexte ? Comme d’autres, je travaille sur ces enjeux avec beaucoup d’enthousiasme. L’art et le climat se retrouvent sur ce terrain du bien commun à plusieurs titres. Et puis la contrainte n’est-elle pas toujours source de créativité ?
2. En 2016, Yannick Lintz, conservatrice et directrice du Département des Arts de l’Islam au sein du Louvre, identifiait deux grandes orientations pour la médiation, le storytelling et les dispositifs numériques. Or la particularité de ces propositions numériques est de se déployer à la fois en ligne et sur site. Pourquoi, selon vous, cela reste compliqué de relier ces deux dimensions de l’expérience muséale ? Ces développements ne sont-ils possibles que pour des grosses structures ?
Aujourd’hui encore, Yannick Lintz continue de s’interroger sur ces orientations. Elle a produit en 2021-2022 (20 nov. 2021 – 27 mars 2022) avec la Réunion des musées nationaux – Grand Palais 18 expositions sur les arts de l’Islam dans 18 villes de France afin, dit-elle, de stimuler et de susciter la découverte. Yannick a souhaité créer des expositions facilement accessibles pour différents publics : jeunes, familles… et sur l’ensemble du territoire. C’est un acte fort de médiation en lui-même. Les expositions présentaient des œuvres du Louvre, de la ville accueillante, d’un.e artiste contemporain.e et des dispositifs numériques et audiovisuels en accompagnement, source de médiation complémentaire. Ce type de projet, comme aussi celui des Micro-Folies, montre que des partenariats forts entre institutions permettent le déploiement de nombreuses initiatives sur l’ensemble du territoire et suscite de nouvelles rencontres avec d’autres publics. Les tiers-lieux semblent aussi être de nouveaux endroits très intéressants pour créer de nouveaux projets culturels et artistiques.
Je crois qu’il n’est pas si difficile d’allier une diffusion en ligne et in situ si cela est justifié. En revanche, les contraintes in situ sont souvent fortes et demandent plus de moyens (humains, financiers, techniques) et de même parfois de système D pour y arriver. J’ai pu l’observer quand nous avons produit des contenus de médiation autour de l’exposition Léonard de Vinci (24 octobre 2019 – 24 février 2020). Allier la production du documentaire, l’expérience en réalité virtuelle in situ (mais aussi sur les stores) et les contenus en ligne n’a pas été chose aisée. Cela implique non seulement de structurer l’offre dans son ensemble mais aussi des choix narratifs différents. Les contenus en ligne et in situ doivent pouvoir se consommer de manière indépendante mais être aussi complémentaires4. Au Louvre nous avons essayé de travailler dans cette optique avec Nathalie Steffen, cheffe du services des ateliers et visites-conférences. Les contes du Louvre peuvent être vus en ligne ou entendus dans le musée dans différentes versions : ainsi un enfant peut voir le conte en ligne et/ou le retrouver sur place dans sa version complète, il peut même acheter le conte en librairie. D’un format à l’autre, les expériences sont différentes et s’enrichissent.
Pour conclure, les grandes structures, souvent mieux dotées, ont une responsabilité vis-à-vis d’institutions plus modestes en termes de moyens. Ce qu’elles assument il me semble assez bien en créant beaucoup de partenariats en région et en mettant à disposition leurs contenus. Au Louvre, le choix a été fait de mettre l’expérience en réalité virtuelle gratuitement à disposition du plus grand nombre et des partenaires publics comme le réseau des Instituts français dans le monde, des Micro-folies mais aussi des structures qui en feraient la demande comme les écoles ou les hôpitaux. Et pour en revenir à l’idée de sobriété, la médiation en général va devoir s’y soumettre. A nous d’inventer de nouvelles manières de travailler.
3. Enfin, ces projets numériques font pour leur grande majorité appel à des acteurs industriels plus ou moins importants. On voit apparaître de nouvelles formes de partenariats qui ne sont pas sans bousculer l’univers très institutionnel des musées et sites patrimoniaux. Quelles formes de collaborations voyez-vous apparaître ?
C’est une question complexe car les modèles de collaborations public / privé sont très variés.
D’abord une grande partie des projets numériques sont réalisés via la commande publique. Si le résultat est le fruit d’une collaboration des équipes internes et externes, le musée est propriétaire du projet et seul décideur in fine. La Délégation de service public (appelée Concessions de service public dans le cas d’une gestion par l’Etat) et les partenariats se sont aussi beaucoup développés et posent en effet plus de questions sur la propriétarisation du patrimoine par des acteurs privés5. C’est le cas par exemple d’une entreprise qui propose en concession de service public un service d’audioguides aux visiteurs d’un musée. Pour les publics il s’agit d’un service proposé par le musée alors qu’il est géré par un acteur privé. Ce système exige une très grande attention de la part du musée afin que le service assumée par l’entreprise soit cohérent avec la médiation du musée, l’histoire racontée, son offre, son image, etc.
On retrouve ces problématiques dans beaucoup d’autres secteurs. La SNCF est un bon exemple. Un usager achète indifféremment son billet de TGV sur le site SNCF Connect ou par téléphone pensant traiter avec la même entité : l’entreprise publique de la SNCF. Dans les faits, SNCF Connect est une entreprise privée de distribution de billets et une agence de voyage. Il n’est pas rare qu’en cas de problème, l’usager soit ballotté entre les deux entités qui se renvoient la responsabilité. Ce qui est bien sûr difficile à comprendre pour le voyageur, utilisateur final.
Pour en revenir au patrimoine, face aux contraintes budgétaires, aux besoins de compétences externes et aux aspirations “innovantes” des musées comme lieu de création, les collaborations avec le secteur privé sont aussi un réel atout. Google a créé de nombreux projets d’expositions en ligne avec des centaines d’institutions en France et dans le monde en présentant notamment des œuvres en très très haute définition. Le Centre des Monuments nationaux a par exemple lancé il y a quelques années son incubateur du patrimoine pour permettre à des start-up de tester des dispositifs dans leurs monuments. Le CMN vient également de lancer un appel à projets pour l’installation de tiers-lieux.
Ces partenariats permettent aux institutions d’évoluer avec leur époque, de rester ouvertes sur le monde. Néanmoins, quel que soit le type de collaboration, la plus grande vigilance est requise afin que l’institution publique reste maîtresse de la situation, propriétaire des droits & données bien sûr mais aussi de son histoire. Si l’expérience en réalité virtuelle En tête-à-tête avec la Joconde a pu être produite grâce à un partenariat entre HTC et le Louvre, il était indispensable que le musée demeure en charge de l’histoire racontée et du rendu graphique : ici le projet a été réalisé par les conservateurs spécialistes de Léonard de Vinci accompagnés par l’équipe numérique et audiovisuelle du musée et HTC est venu apporter son expertise technologique...
Pour aller plus loin sur ce sujet dans Com’en Histoire
- Yannick Lintz, 2016 : “Les médiations muséales, un nouveau paysage en mutation…”, Dialogue avec Patrick Fraysse, publié sur Com’en Histoire.
- Marina-Pia Vitali, 2015 : “Le laboratoire des médiations au Louvre : une vulgarisation exigeante…”, Dialogue avec Patrick Fraysse, publié sur Com’en Histoire.
POUR CITER CE BILLET : MAÏTE LABAT, 21 septembre 2022 : La médiation numérique, entre surproduction et sobriété…, DIALOGUE AVEC Jessica de Bideran, PUBLIÉ SUR COM’EN HISTOIRE, HTTPS://CEHISTOIRE.HYPOTHESES/4475
- On pourra à cet égard consulter les nombreuses ressources multimédias que propose aujourd’hui en ligne le Château de Versailles. [↩]
- Voir par exemple le programme DaMuCo porté par l’Université de Grenoble Alpes et le Gresec et qui consiste à étudier et analyser des formes d’appropriation et de diffusion de la culture visuelle dans la société en période de confinement et de fermeture des institutions patrimoniales. [↩]
- Pour un retour en arrière sur cette question, voir par exemple : Jouët Josiane, Pasquier Dominique, 1999. “Les jeunes et la culture de l’écran. Enquête nationale auprès des 6-17 ans”, Réseaux, volume 17, n°92-93, p. 25-102 DOI : https://doi.org/10.3406/reso.1999.2115. [↩]
- Voir par exemple l’offre de podcasts créée dans le cadre de cette exposition. [↩]
- A cet égard, on pourra consulter la thèse de Pascal Bué qui se concentre notamment sur le développement au sein des monuments historiques français de l’HistoPad : Architecture et réalité augmentée. Une manière d’écrire l’espace : la pensée visuelle instrumentée, 2021, Paris, Sorbonne Université. [↩]
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Jessica de Bideran (21 septembre 2022). La médiation numérique, entre innovation, surproduction et sobriété… Com'en Histoire. Consulté le 11 septembre 2024 à l’adresse https://doi.org/10.58079/mibi
